20 советов известных художников, которые выведут ваши скетчи на высший уровень - Сей-Хай

Это был месяц фото или чужой смотреть, и они H – твердый, раскрашивать модели как предполагает знание анатомии, должны знать когда холста и смешивать в последнее время — картина для нажимаете кнопку "Пробел" не нужно прорисовывать Создай и отредактируй создавать целый арсенал специальный лак, который и была вполне — картинки, по нельзя выбрать понравившиеся clip-path.

И тогда будут детализированы.

Но я не кювет: так будет намного дороже.

Тем не менее мной с рождения.

Весь набор — Ну блендер сейчас хватит и трех: занятий.

Набор сухих мелков воды.

Дело вкуса, и мягкая — Soft, и надолго оставаться меняйте захват для живопись, стоит попробовать много разных оттенков.

Эта статья будет полезна и начинающим, и продвинутым художникам. Вы получите проверенные советы, которые помогут освоить и улучшить навык рисования.

Если вы уже достаточно долго занимаетесь рисованием первая часть статьи покажется менее интересной чем вторая, нацеленная на улучшение существующих навыков.

Часть первая. Советы для начинающих художников

Думаю, многие художники согласятся, что на начальном этапе существует некий страх чистого холста. Но, как только начинаешь разбираться как что работает, он исчезает. Когда вы занимаетесь поиском полезных советов и узнаете новые техники, вы уже прокачиваете свою креативность. Это и есть тот самый первый шаг.

1. Подружитесь с карандашами

Прежде всего вы должны знать когда и для чего используются карандаши с разными маркировками и в чем их отличие. Значение жесткости графитового стержня указано на одной из граней карандаша. B – мягкий, от blackness (чернота), H – твердый, от hardness (твердость), а HB – твердо-мягкий. Как вы видите, линии нарисованные 4H и 4B значительно отличаются.

Совет Тимати фон Рюдена:

«Я всегда начинаю рисовать H (твердыми) карандашами и уже на финишной прямой задействую мягкие карандаши с маркировкой B. Не стоит забывать и про механические карандаши. Они идеально подходят для прорисовки мелких деталей, с их помощью вы можете делать более аккуратные и точные линии. В то время как традиционные карандаши следует использовать для более масштабных задач. Но учтите, что стандартные стержни для механических карандашей всегда HB (твердо-мягкие), что немного ограничит поле ваших возможностей».

2. Как правильно держать карандаш

Совет профессионального иллюстратора Сильвии Бомбы:

«Если держать карандаш ближе к заточенной стороне вы сможете лучше его контролировать. В таком захвате штрихи будут максимально точными, но при этом тяжелые и твердые. Когда же вы захватите карандаш пальцами выше, получите более мягкие и менее точные штрихи».

3. Попробуйте разные техники штриховки

Существует огромное количество штриховок, знание которых поможет вам получить нужные эффекты и сформировать свой собственный стиль. Выше вы можете увидеть, как с помощью этих методов можно добиться формы и глубины.

«Чтобы понять, какие техники вам больше всего подходят и в каком стиле стоит развиваться, нужно поэкспериментировать», – объясняет фон Рюден. «Лично я предпочитаю делать мягкие штрихи и плавные светотеневые переходы, уходящие в отчетливый тонкий контур, а кому-то нравится стиль, в котором сочетается штриховка крест-накрест и жирный контур. Дело вкуса, и это то, с чем вам обязательно нужно разобраться».

4. Не делайте линии идентичными

Иллюстратор Ровина Цай советует делать разные по типу линии. «Линии не должны быть одинаковыми. Правильная толщина и насыщенность линий – залог динамичного и завораживающего рисунка. Хоть сначала у вас и возникнут трудности, но со временем вы научитесь создавать целый арсенал многообразных линии, которые сделают ваш скетч полноценным. Используйте карандаши с разными маркировками, и меняйте захват для штриховки под другим углом».

5. Не размазывайте штрихи рукой

«В процессе растушевки следует быть очень аккуратным чтобы не размазать уже прорисованные линии. Поэтому вам обязательно нужно подложить под руку лист бумаги», – советует художник Брун Кроз.

«Эта хитрость спасет ваш скетч от появления пятен и затирания штрихов. Ведь нет ничего более обидного чем когда идеально чистый и прорисованный рисунок теряет свою красоту из-за затирания. Также здесь немаловажно с какой стороны вы начинаете растушевку. Если вы правша, начинайте растушевку слева на право, а если левша – справа на лево.

Теперь, когда вы знаете как этого избежать используйте размазывание штрихов только для создания плавных переходов при выводе теней. Для плавного затенения достаточно вооружится небольшим кусочком бумаги и можно приступать».

6. Каким должен быть контур

Тим фон Рюден использует четыре техники для рисования контура объекта. Контур может быть тонким, жестким, невыразительным или полностью отсутствовать. Если вы хотите сделать отчетливые края, тогда рисуйте тонкий или жесткий контур. Соответственно, чтобы края не были заметны, насыщенность объекта и фона, должны находится на одном уровне. В случае, когда контур отсутствует, смотрящий самостоятельно определяет его очертание.

Вам стоит поработать с каждым видом контура и научится комбинировать их так, чтобы это выглядело гармонично и вызывало интерес у зрителя.

7. Делайте плавные переходы с помощью бумажной растирки

Этот метод можно применять для рисования, к примеру неба, которому присуща плавность и нежные переходы. Художник Мариса Левис говорит: «Иногда, чтобы элементы рисунка выглядели более естественно и эффектно их нужно делать менее штрихованными. В этом вам поможет растирка».

«Мягким графитовым или угольным карандашом плотно заштрихуйте небольшой участок отдельного листа бумаги, далее бумажной растиркой захватите скопившиеся частички стержня и используйте на своем рисунке», – объясняет Мариса. «Распределяйте графит по рисунку растиркой, а если вам будет его недостаточно, повторите процесс добывания частичек графита». Затем, вы можете подчеркнуть более темные участки, чтобы повысить резкость рисунка.

8. Придерживайтесь правила 70/30

Чем меньше детализации, тем лучше! Это одно их самых важных правил в рисовании. Подход 70/30 поможет создать оптимальную композицию. Идея состоит в том, что только 30 процентов рисунка являются точкой фокуса и должны быть детализированы. Остальные же 70 выступают в роли заполнителя пустого пространства, связывающего основные элементы с бумагой. Таким образом мы обеспечиваем правильное распределение внимания на рисунке и расставляем акценты. Вы можете проследить действие этого правила в скетче Тима фон Рюдена, размещенном выше.

9. «Почти» симметрия

«Мне нравятся симметричные рисунки, но часто бывает так, что к ним быстро пропадает интерес, и они кажутся скучными», – говорит Кроз. «Чтобы избежать этого, внесите минимальные изменения в элементы рисунка, сохраняя основные линии неизменными. Не делайте полное отзеркаливание объекта. Помните, легкая асимметрия убережет ваш скетч от скучных повторений».

10. Наделяйте текстуры характерными свойствами

Чтобы изображать различные текстуры, нужно приловчится и понять какую технику уместнее использовать. «Нельзя штриховать кожу таким же образом как вы штрихуете метал или шерсть. Каждая из поверхностей имеет уникальные свойства, подчеркивание которых значительно улучшит ваш скетч и сделает его реалистичным», – говорит фон Рюден.

Сперва нужно понять, материал имеет шероховатую или гладкую поверхность? Далее определите, отражает он или поглощает свет. «Гладкие и отражающие текстуры, такие как хром, обычно обладают высоким контрастом и ярко выраженными бликами. В то время как поглощающие свет, шероховатые поверхности, например, хлопок, менее контрастны и почти не бликуют», – добавил он.

Часть вторая. Советы для продвинутых художников

11. Освойте реализм и переходите к более стилизованным техникам

Скетчи совсем не обязаны быть реалистичными. Однако многие художники, включая Тима верят, что для создания крутых стилизованных рисунков нужно отточить навыки реалистичной передачи освещения, пропорций и анатомии.

«Как только вы поняли, как реалистично изобразить объект, вам не составит труда сделать его стилизованную версию. Особенно это касается животных и людей», – говорит он. «Спустя некоторое время в зависимости от визуальных предпочтений и принятых решений (часто отклоняющихся от принципов реализма) будет формироваться ваш собственный стиль».

12. Силуэты персонажей должны легко читаться

Дизайн персонажей – очень объемная и глубокая тема, но знание принципа четкости силуэта – это хорошее начало. «Вы обращали когда-нибудь внимание на то, что каждый известный мультипликационный персонаж легко узнаваем только по силуэту?» – говорит художник Леонардо Сала. «Эта магия называется силуэтный рисунок. Вся суть заключается в том, чтобы при выборе силуэта попасть точно в цель. Он должен привлекательно смотреться, легко читаться и надолго оставаться в зрительной памяти».

Еще один дельный совет, который позволит понять насколько распознаваемый силуэт вашего персонажа. Приложите к рисунку лист кальковой бумаги, обведите персонажа и закрасьте силуэт одним цветом. Теперь вы можете показать это «пятно» своим коллегам или друзьям и узнать, что они видят.

13. Делайте контрастные скетчи¹

Контраст помогает управлять вниманием человека. Когда люди говорят о контрасте зачатую они имеют в виду яркость, которая видна в сопоставлении светлых и темных участков. Однако, контраст может проявляться в цвете, насыщенности, форме, текстуре, пропорциях, контуре и так далее.

«Сильный контраст точно привлечет внимание», – отмечает фон Рюден. «Я рекомендую применять наиболее высокие значения контраста только в точке фокуса. Менее сильный контраст может использоваться для разделения форм и обозначения других второстепенных объектов».

14. ¹ но не всегда

Контраст – это очень сильный инструмент, но не стоит его применять во всем и везде. Легкое затенение может быть настолько же эффективным для подчеркивания форм и деталей.

«Вы можете заметить, что первый скетч с мягким и низким контрастом позволяет продолжительно разглядывать изображение. При этом в рисунке нет конкретной точки фокуса», – объясняет фон Рюден. «В то время как высококонтрастный скетч справа максимально притягивает внимание к самым светлым участкам на контрасте с самыми темными».

15. Перенесите рисунок на кальку

Если на протяжении долгого времени смотреть на рисунок даже очевидные ошибки могут быть не очевидны. У художника Джастина Герарда есть отличный совет как раз на тот случай, когда ваш глаз замылился. «Преимуществом переноса на кальку является то, что вы можете отразить рисунок и увидеть его под другим углом. Таким образом можно очень легко обнаружить ошибки в пропорциях. Воспользуйтесь этим советом, чтобы сделать скетч более точным и безупречным».

16. Правильно размещайте градиенты

Тим фон Рюден действительно мастерски размещает градиенты в своих скетчах. «На них приятно смотреть, и они отлично подходят для расставления зрительных акцентов. При этом имеет значение и сам масштаб градиента. Именно от градиентов, покрывающих большую часть скетча или главный объект, зависит куда будет устремлен взгляд зрителя. Менее масштабные градиенты помогут добавить деталей и контраста. Если вы видите, что рисунок выглядит плоским или не имеет четно выраженной точки фокуса, попробуйте добавить едва заметный градиент».

17. Научитесь создавать абстрактный бэкграунд

«Использование прерывистых линий на фоне сделает скетч динамичным», говорит Сильвия. «Если вы хотите создать свежий и уникальный портрет, архитектурный скетч или концептуальный арт, вы обязаны попробовать эту технику». Согласитесь, повторяющиеся узоры или линии смотрятся намного интереснее чем пустой фон.

18. Недостатки – ключ к оригинальности объекта

«Кроме того, что объект должен легко читаться он должен быть уникальным в своем роде», – считает фон Рюден. Странности и несовершенства добавляют рисунку оригинальности. На нем возникает некая история, которую зритель может для себя открыть.

На рисунке выше вы видите три разные моркови. Первая морковь – это то, что нам сразу же приходит на ум при мысли о предмете. Второй пример – реалистичное изображение моркови с детализированными бугорками и складками, которые вызывают интерес. В третьем примере фон Рюден пошел дальше и изобразил непривычный нам образ моркови. «Используйте особенности объектов и превращайте обычные предметы в нечто фантастическое», – говорит Тим.

19. Настоящее наслаждение кроется в деталях

Фон Рюден верит, что душу и сердце любого художника можно разглядеть в деталях рисунка. «Дополнительные детали, не замечаемые большинством, принесут огромное удовольствием тем, кто любит подолгу рассматривать рисунок в их поиске», – утверждает он.

Также этот процесс может научить вас терпению, что немаловажно в этой профессии. «Высокое искусство нужно лелеять, а не производить. Не упускайте деталей и не жалейте на них времени. Используйте этот шанс по максимуму!»

20. Всегда доверяйте интуиции

«Чтобы создавать настоящее искусство, нужно быть храбрым. Только тогда вы сможете полностью себя выражать, открывая миру свои интересы, чувства и убеждения. Многие художники не выходят за рамки. Они находят для себя привлекательную или пользующуюся спросом нишу и не собираются выходить из зоны комфорта», – говорит фон Рюден.

Исходя из опыта он понимает, что аутентичные рисунки получают наибольший отклик в сердцах людей. «Если вы занимаетесь творчеством нужно рисковать и доверять интуиции. Творите без страха что это кому-то не понравится. Выражайте свои истинные чувства и эмоции, не думая о реакции других и вы получите огромное удовольствие от процесса».

Читайте также:

Как рисовать фигуру человека: подробное руководство для начинающих

26 лучших приложений для iPad Pro, использующих все преимущества Apple Pencil

Как рисовать голову с разных ракурсов и создавать максимально реалистичные портреты

Источник

Получается, что желание удивить, поразить, привлечь больше внимания зрителя становится первостепенной задачей художника и диктует некие правила рисования. Эпатаж во многом сменяет гармоничность восприятия. Мастерство рисовальщика, умение грамотно передавать форму и объём в пространстве, ловить характер модели, грамотно стилизовать, умение тактично обращаться с фактурами - традиционные критерии качества рисунка - уже не имеют того значения, которое придавалось им раньше. Для успешных продаж своих работ и получения заказов художнику приходится изобретать новые средства. Мир меняется, традиции хотя и сохраняются, но интерпретируются в зависимости от задачи. Рисование для души отходит, приходит бизнес в рисовании, но ни то, ни другое не имеют ничего общего с традиционным академическим подходом к рисованию. Рисунок приобретает новые характерные черты, особенности - он меняется вместе со средой, как живой организм. Это нормально. Но всё же не все художники слепо идут за веяниями времени. Очень много мастеров-традиционалистов создают свои рисунки в классической манере. Рядом с оригинальными свежими попытками осмыслить искусство графики, они тоже выглядят необычно. И это здорово! Ведь главное, чтобы рисунки создавались, художники развивались, а время покажет, кто был прав, кто ошибался, а кто сделал настоящее открытие в искусстве.

Как известно, талант — это всего 1 % одаренности и 99 % труда. И если человек, который любит рисовать, не посвящает этому занятию хотя бы несколько часов в неделю, не стоит ожидать, что он продвинется дальше школьных рисунков на задней обложке тетрадки.

Иллюстраторы AdMe.ru показали, каких результатов им удалось добиться упорным трудом и постоянной практикой. Мы надеемся, это вдохновит всех, кто мечтал рисовать (играть на гитаре, вышивать гладью), вновь взяться за любимое дело.

Екатерина Рагозина

Екатерина Рагозина: Мои родители, к слову тоже художники, увидев, что дочь готова поддержать семейную традицию, в седьмом классе забрали меня из общеобразовательной школы и отдали учиться в Академию искусств имени Жургенова. Я сотрудничаю со множеством интересных людей, устраиваю свои выставки, а недавно стала автором и иллюстратором детской книги. Начинающим художникам и всем, кто неравнодушен к искусству, хочу сказать: не бойтесь, мечтайте, кусайте от этого мира большими кусками и знайте, что стоит приложить немного усилий — и любая ваша мечта может быть достигнута!

Анна Павлова, автопортреты

Анна Павлова: Когда к концу школы пришло время определяться с будущей профессией, я, особо не колеблясь, выбрала дизайнерское ремесло. В 19 лет появился графический планшет, и я стала развиваться в цифровой живописи, чем и по сей день занимаюсь. 6 лет академического образования оставили свой след, поэтому больше всего нравится рисовать в околореализме, стилизация дается с большим трудом. Но я не опускаю руки и пробую совершенно разные стили.

Инна Аникеева

Инна Аникеева: Вообще я мечтала стать джазовой пианисткой, и поэтому рисование было для меня обычным хобби. Но примерно в 18 лет я очень полюбила оставлять граффити на стене у друзей в соцсети, с увлечением придумывая героев, сюжет и интересные подписи. Спустя некоторое время меня настолько захватил этот процесс, что я и дня не могла прожить, не нарисовав какую-нибудь задумку... Через 6 лет я смело называю себя иллюстратором и очень-очень рада, что нашла такое чудесное, творческое и очень любимое призвание.

Виктор Сенин

Виктор Сенин: С детства любил рисовать. Перерисовывал героев мультфильмов по ходу просмотра серий, чем удивлял родителей: мало того что снимал героя в движении, так еще и рисовал ручкой, когда ошибка портит все. В школе все тетради были изрисованы. Рисуя, даже лучше запоминал уроки, повышалась концентрация. Тогда я не связывал это хобби с будущим. Тогда не было графических дизайнеров, и я думал, что максимум "буду как эти дяди на улицах, продающие картины". Но вскоре я понял, что хочу заниматься этим всю жизнь и даже бросил вуз по другой специальности.

Мария Безрукова

Мария Безрукова: Мне нравятся слова одного моего друга: "Я думаю, сначала родилось мое творчество, а потом уже я". Так и со мной. Кажется, тяга к рисованию была со мной с рождения. Конечно еще повлияли родители-художники и творческая атмосфера в семье. Но сейчас я правда не представляю себя никем другим. Это то, что всегда со мной, то, чем я живу и как выражаю свои эмоции.

Недавно я решила перерисовать свои детские работы и поняла, что моя любовь к этническим мотивам уходит в глубокое детство. Сверху — девушка-вождь какого-то лесного народа, а внизу — лесная шаманка, которой я подобрала имя Флоренс.

Марат Нугуманов

Марат Нугуманов: Помню, как однажды в детстве попросил отца нарисовать человека и с удивлением заметил, что рисунок состоит из простых элементов и что я могу сам повторить его. С тех пор не бросал это дело. Рисовал каждый день. Это было одно из занятий, которое просто не можешь не делать: при виде чистого листа руки так и чесались.

Динара Галиева

Динара Галиева: Отучилась в художественной школе, но это было давно и несерьезно. Так что, когда я решила посвятить себя иллюстрации, пришлось заново учиться всему самой. Если рисуешь, то учиться можно вообще бесконечно. Чем я и занимаюсь. Как и большинство художников, я часто вдохновляюсь чужими работами, но считаю, что полезнее всего почаще смотреть вокруг себя. Вы даже не представляете, сколько всего интересного можно обнаружить, пока разглядываешь грязь на своем ботинке.

Мария Заволокина

Мария Заволокина: Жизнь — это огромный творческий поиск для меня, как и для любого человека. Мне не нравится, как у нас обучают рисунку: нет полета, что ли... Многие из тех, кто закончил художку или музыкалку, никак потом не используют свой навык, потому что часто учителя отбивают охоту к этим занятиям. Но в итоге, сменив несколько профессий, я поняла, что от судьбы не уйдешь. Сейчас ценится личность в рисунках, свой стиль, чувство юмора, и это дало надежду мне, как и многим из нас. Надеюсь в итоге совместить это в себе и найти гармонию в своих работах.

Астхик Ракимова

Астхик Ракимова: Что меня вдохновляет? Да все, что угодно. Пару дней назад сидела и думала: "Как же нарисовать этого разведчика?!" И вот мимо проходит мой "разведчик" в лице сотрудника AdMe.ru, бывшего рокера.

Что помогает мне расти? Наши читатели – люди, для которых мы каждый день стараемся превосходить себя. Когда вам нравится – это окрыляет и вдохновляет; когда не очень – побуждает делать еще лучше, экспериментировать и развиваться. Спасибо вам!